描述
开 本: 16开纸 张: 胶版纸包 装: 平装-胶订是否套装: 否国际标准书号ISBN: 9787541151545
如果你有舞台表演的背景，你需要学会如何在镜头前工作。在这两种媒介中，好表演的基础都是“聆听”，但银幕对演员另有一番要求，你需要做出有创造性的调整，才能奉献*好的表演。这本书会详细解释其中的一切。
——托尼·巴尔
***
《如何在镜头前表演》一书从厘清舞台上和镜头前的异同开始，引领表演学习者带着正确的判断进入影视表演的独特领域。作者托尼·巴尔将自己从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结提炼，形成了一套简单而快速奏效的影视表演技巧，并通过42个配套练习帮助演员适应镜前表演的技术需求。本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言。对于每一位闯荡片场的新人来说，它都是一本***的实用手册，会“手把手”教你成为一名职业演员。
◎不要带着这种心理去试镜：“如果他们不能透过我的衣服看到我的才华，让他们去死吧！”穿对衣服是为了让选角团队一眼认定你看上去像那个角色，这样他们会把全部注意力放在考察你的表演和个人素质上。
◎要全神贯注地听导演说话，寻找他所追求的完整含义，不要让他不得不打断你的表演，三番五次甚至十几次对你提出同样的要求——*后他可能会绝望地放弃并喃喃自语：“以后再也不要用这个演员。”
◎不要为了“丰富”表演而添加并不属于某个时刻的元素。也就是说，你不可能靠一场戏或者一个片段就赢得奥斯卡金像奖，所以别费心了。保持简单，演出关键点，剩下的自会水到渠成。
◎我们在任何明星身上都会发现一种特质，那就是威信。你在表演时无论做什么，都必须坚决果断地去做，动作也要简洁明了。这些特质会形成某种威信，有威信的演员才会吸引观众的注意力。
《如何在镜头前表演》是一本经典的影视表演教材，根据作者从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结而成。从镜头的私密性出发，本书有针对性地提出了快速奏效的表演技巧，辅以42个必须拍摄下来的练习，通过对比分析不同表演方式的效果，帮助演员熟悉并适应影视拍摄特定的技术需求。此外，作者还分享了表演风格的发展变化、电影和电视的拍摄机制、演员如何开始职业生涯等实用知识，从试镜、准备角色到片场拍摄、与导演合作，每一步都提供了精确、细致的指导。
本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言，并被《洛杉矶时报》誉为“适合表演学习者的一流教材，刷新职业演员认知的一本好书”。
推荐序
前 言
致 谢
部分 表 演
第二部分 揣摩角色
第三部分 表演手段
第四部分 电影和电视的拍摄机制
第五部分 电影和电视生涯
后 记
出版后记
1960年，一位很有才气的导演朋友戴维·亚历山大（David Alexander）来找我，想知道我是否愿意和他一起开办一所表演学校。我同意了。
我们做出这个决定的主要原因之一是好莱坞充斥着江湖骗子，他们把自己伪装成教师、公关人员、经纪人等，专骗毫无戒心且天真的新人，而缺乏警惕性的新手们根本不知道自己受到了欺诈。无疑，开办一所信誉良好的学校是有好处的。
我们的工作坊就此开张（戴维不久后就离开去做全职导演了），我们开始全身心地投入到表演的教学中，把自己曾经受到的训练和在剧院实践多年所得的经验倾囊相授。我们的老师用过康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基的教材，我们用的则是迈克尔·契诃夫、李·斯特拉斯伯格、罗伯特·刘易斯的，还有其他一些后来被称为“方法派”的大大小小的主张，而且戴维还有自己的表演技术。
我很快就发现，每个教师都有自己偏好的手段，而且在有意或者无意中把不适合某种风格的教学和表演手段摒弃了。我也和其他人犯了同样的错误，把重心放在了意图和情绪记忆的训练上。我大概花了五年时间才意识到自己遗漏了什么，意识到我们所教的东西虽然可能时常是有效的，但局限性太强。
随着时间的流逝，我也意识到一名演员如果扎根在好莱坞，基本上不会有在舞台上进行专业表演的机会，因为其事业和生计依赖于电视剧和故事片。我痛苦地发现，我的教学重心错了。我买了录像设备，开始研究在电影媒介中工作的细节，并把我学到的舞台和摄影机之间的不同教给学生们。对于演员来说，无论在什么媒介中进行表演，你的内在驱动力（也就是说，情感或感觉反应）都是相同的，因为在规定情境下，同样的刺激会引起一个人同样的反应，不管媒介是什么。比如说，如果我杀了你的母亲，你在电视上和在好莱坞露天剧场（Hollywood Bowl）中的情感会是同样的。
在舞台上，一个演员的表演必须穿透他的对手，投射到剧场的后一排，无论这距离有多远。而在特写镜头中，剧场后排实际上位于画外演员的肩膀上。在主镜头中，剧场后排就是镜头的位置，只有一两米远。换句话说，舞台和镜头的主要技术区别在于交流的距离。在舞台上，表演要贯穿戏剧空间，或者说非真实的空间。在镜头前，如果一场戏是两个人坐在桌子边，他们的交流只需要投射到彼此身上。如果他们分处于房间相对的角落，表演就要贯穿房间对角线的长度；而在爱情镜头中，观众几乎是和演员一起在床上的。对着镜头，你只需要在真实空间中交流。
电影媒介本身也有特定的技巧、特定的技术需求、特定的机械操作需求和能力，而演员的表演也会受到那些机械的影响。所以，演员必须对它们完全熟悉，这样才能意识不到它们的存在，而把真正的注意力放在表演上。
这本书的写作视角主要来自于我自己在好莱坞的经历，因为我自从1947年起就生活、工作于此。不过，此表演法也同样适用于其他地方的电影工作者，例如在纽约、旧金山，在德国、法国或者任何一处镜头前工作的演员。非常重要的一点是，如果我是在教舞台表演，我也会用同样的开场白：停止表演，开始聆听；保持简单，不失激情！
适合表演学习者的一流教材，刷新职业演员认知的一本好书。
——《洛杉矶时报》
本书生动地讲解了如何让表演变得简单。
——爱德华·阿斯纳，美国演员工会前主席
曾七获艾美奖，代表作《路·格兰特》《飞屋环游记》
这本书清晰易懂，信息量巨大，读来有如小说。它让我受益匪浅。当了半辈子演员，我以为自己吃透了，没想到有一天又开始在表演中积极尝试新东西了。
——卡尔·莫尔登，奥斯卡*男配角
代表作《欲望号街车》《码头风云》《巴顿将军》
这是*实用、*好理解的表演书之一。托尼·巴尔非常清楚演员的基本需求，他的方法能够引起演员的共鸣。
——伊娃·玛丽·森特，奥斯卡*女配角
代表作《码头风云》《西北偏北》
第1章
电影和舞台：一枚硬币的正反面
演员的主要职责是把思想和情感传达给观众。记住这一点，你就更容易理解舞台表演和镜头前表演的主要且非常简单的区别。
在剧场里，观众可能离你只有几米远，也可能离你有两层楼座的距离，而你有责任把所有信息传达到观众席远的角落。所以，你需要用更大的能量表演，用更高的音量说话，肢体表现要更加夸张，而细节的微妙之处则很可能会丢失。尽管如此，舞台表演的宽容度非常大，因为观众就算看不到微妙之处，也会认为细节是存在的。一场演出是“充满暗示”，还是仅仅停留在肤浅的姿势、表情和动作而没有背后的真正冲动，在坐在前几排的那些人以外的观众眼里，看上去可能都像真的。
当你在电影中表演时，因为观众通常只和你相距一两米（用镜头的位置算），你可以很轻松地向观众传达你的思想和情感，就像和坐在桌子对面的人交流一样。镜头差不多能触到你的鼻子，话筒几乎就在你的眉毛上。而且，由于电影这个媒介本身的特质，导演和剪辑可以（自行决定）让观众在一场关键的感情戏里目不转睛地只关注你的表演和表情。在电影院里，你的个头被放大了很多倍，肢体表现的任何细微之处也被放大了。在电视上，一个充满屏幕的特写就会让观众把所有注意力放在你的脸上，所有细节同样能被观察到，而且在一定程度上也被放大了。
因为在电影媒介中，你离观众的距离实在太近了，他们很容易就能理解情节，而且因为他们的全部注意力都被引向了你，你可以轻而易举地传达信息。除此之外，剪辑通过把观众的注意力急速地从一个人或者一件事转移到别的人或事上，能够让情节更加戏剧化。在一部剪辑高明的电影中，画面的剪切都是由刺激引起的。大多数时候，那些刺激影响的都是下一个镜头中将要出现的人物。本质上，剪辑表达的就是刺激所产生的效果，所以你不需要给你的反应加戏，不然效果就太过了。因此，戏剧中为了达到自然的效果而比生活中夸张的风格，在电影中变得不必要，甚至是不受欢迎。而且，如果你有任何不忠实于角色所思所想的行为，观众都能够觉察到。镜头前容不得欺骗。你要么真诚，要么虚伪。
我们举一场戏为例。一名女子回到家，丈夫告诉她，她妹妹打电话来说她们挚爱的母亲昨晚去世了。观众会根据自己和情节相关的生活经验来预测这个消息对女子情绪上的影响。导演和剪辑会给这名女子切一个特写，使观众只能看到她，就算她什么都不做，观众也能体会到她的心情，无论这心情是怎样的。如果她的行为有不忠实于角色之处，观众心中刚涌起来的情感就会幻灭，因为他们会认为她的反应不可信。如果她只做出真实生活中会有的反应，甚至再弱一点儿，她的表演也会是有效的。关键在于简单而不失激情！（这里的激情主要是指情感能量，和性没有关系。）
评论
还没有评论。