描述
开 本: 16开纸 张: 铜版纸包 装: 平装-胶订是否套装: 否国际标准书号ISBN: 9787535672254
★这是一本艺术史中的《设计基础》。从中世纪到现代，从达·芬奇到大卫·霍克尼，以大师作品为例，用四百余幅高清图片展现设计的魅力。
★这是一本跨界思考的《设计基础》，穿越绘画、摄影、建筑、平面设计、产品设计等领域，从多角度、多视野研究设计知识，提供思维启迪。
★本书一改之前版本的黑白印刷，采用全彩印刷。封面运用荧光油墨，以超出普通色彩的亮度和色度，配合新颖的设计，呈现出设计类书籍的特色。
新媒介、新艺术和新图像被引入本书，与不同时代和多元文化的作品一起，诠释设计的基本知识。
每一章都加入了新的内容。第二章和第三章增加了图形设计的新案例。第四章，介绍了当代艺术家的新作。第五章，以人类的脸为例，讨论了对称问题。第六章，用两张爵士乐海报阐述节奏的变化。第七章，新添了很多关于线的图例。第八章，从不同的艺术和设计原则出发，为我们提供了更多的视角。第九章，谈到艺术家是如何发现材料并且将它的纹理转换为装饰的。第十章，通过透视作品，比如达·芬奇未完成的绘画作品，以及弗兰克·劳埃德·赖特的图纸，呈现一场关于空间的讨论。第十一章，进一步将我们的讨论拓展到运动，比如卡地亚·布列松的“决定性时刻”，还有艾略特·巴纳森所制作的舞者的数字图像。第十二章，利用罗曼·欧帕尔卡的绘画作品，探索了我们感知能力的局限性。第十三章包含一些新的视角，比如几个世纪以来艺术家调色板的发展。
目录
部分 设计原则 1
章 设计过程 2
设计定义 3
过程 5
想 7
看 13
做 20
评论 24
第二章 统一 26
导言 27
完形 31
取得统一的方法 33
变化中的统一 40
第三章 强调与焦点 51
导言 52
制造焦点 54
重点强调 58
缺乏焦点 61
第四章 尺寸与比例 63
导言 64
艺术中的尺寸 66
操纵尺寸与比例 73
第五章 平衡 79
导言 80
失衡 81
不对称平衡 87
辐射式平衡 97
结晶式平衡 99
第六章 节奏 101
导言 102
节奏与运动 105
交替节奏 106
渐进节奏 109
复合结构 110
第二部分 设计元素 111
第七章 线 112
导言 113
线与形 115
线的种类 117
线的方向 119
轮廓和姿态 121
线的特性 123
营造色调的线 125
绘画中的线(一) 127
绘画中的线(二) 129
若隐若现的轮廓 131
内在固有的线 133
第八章 形状 135
导言 136
形状的优势 138
体积/块面 140
自然主义和变形 142
自然主义和理想主义 144
抽象 146
非写实的形状 148
曲线的形状 150
直线的形状和组合 152
正负形 153
第九章 图案与肌理 160
图案 161
肌理与图案 165
肌理 166
触觉肌理 169
视觉肌理 172
第十章 空间中的错觉 175
导言 176
表现纵深的方式 178
放大透视 179
多重透视 198
等角投影 200
开放的形式/封闭的形式 203
透明度 204
结论 205
第十一章 运动的错觉 208
导言 209
预期的运动 211
表现运动的方法 213
视觉运动 219
第十二章 色调 221
导言 222
色调模式 224
色调作为重点 226
色调与空间 227
技术手法 230
第十三章 色彩 233
导言 234
色彩的特性 236
色彩的属性 237
调色板 244
视觉色彩的混合 246
冷暖色 248
色彩的强调 251
色彩与平衡 253
色彩与空间 254
色彩的组合 255
色彩间的冲突与摇摆 260
色彩的使用 262
情绪化的色彩 264
色彩的象征性 265
术语表 268
前言
“前画”
新版本的《设计基础》经历了一系列的
改进和修订,终体现在第八版的内容中。人们可能会问:“设计的要素和原则发生了哪些变化?”事实上,并没有什么变化发生,不过
我们注意到,设计所呈现的形式和媒介确实在高速发展。
来自本土的新媒介、新艺术、新图像被不断引入新的版本,它们与那些来自多个时代和多元文化的作品一起,扮演着它们在过去版 本中的角色。当然,它们中的一些经过了修订。在本书中贯穿着一条线索,在它的作用 下,全书的各个部分之间得以共鸣。这条线索 很明显,它是两幅画,我们在每一章中都对它 们进行了跟踪。毕加索的《丑角》和热罗姆的 《假面舞会后的决斗》有什么不同?它们虽然共享一个“人物——小丑,但它们在构图以 及设计的其他方方面面都存在着很多可做比较的地方。
修订存在于设计过程。即使是一幅旷世杰作,它也是不断修订而成的,参见马蒂斯《粉红色裸体》的创作照片记录。(章) 艺术家并不总是会记录这些修订步骤,但我们还是可以通过一些证据找到它们。我们在绘画 作品中可以观察到这些蛛丝马迹,它们又被称为“前画”(pentimenti,在绘画作品中对原来的笔画进行修改或用颜料进行遮盖),这个词来自意大利语,翻译过来就是“艺术家的忏悔”。这种“忏悔”对一个年轻的设计师或者艺术家而言有时是很难接受的:放弃初的想法,通过修正,得到一个更好的结果。本书的
写作和修订也同样需要这样的思考和再思考。
如前所述,在这次修订中,出现了很多新的图像,同时也出现很多新的讨论。以下介绍一些亮点。
第二章和第三章涵盖了图形设计的新案例。第四章介绍了一些当代艺术家及其新作, 比如帕维尔·佩珀斯泰恩,这位艺术家曾在 2009年的威尼斯双年展上有突出表现。第五章涉及对称的讨论,我们以人类的脸作为例子。第六章谈到两张爵士乐海报,均出自尼克劳斯·特罗克塞尔之手。第七章讨论了很多关于线的例子,比如一些肖像画,比如毕加索利用光在空气中作画。第八章从不同的艺术和设 计原则出发,为我们提供了更多的视角,比如我们在时尚和绘画中可以找到类似的形状。第九章我们讨论了安妮·阿尔伯斯是如何发现材料并将它的纹理转换为装饰的。第十章通过透视作品,比如达·芬奇未完成的绘画作品,以及弗兰克·劳埃德·赖特的图纸,呈现一场关于空间的讨论。第十一章进一步将我们的讨论 拓展到运动,比如享利·卡蒂埃—布列松的“决定性的瞬间”,还有艾略特·巴纳森所制
作的一个舞者的数字图像。第十二章利用罗曼·奥帕尔卡的绘画作品,以及他们关于“白色”的终极讨论,探索了我们感知能力的局限性。第十三章包含一些新的视角,比如几个世纪以来艺术家调色板的发展。
这次修订得到了很多朋友的帮助,他们或是从事教学和研究工作的审阅者,为我的修订提供新见解;或是来自沃兹沃思/圣智学习公司的艺术团队,在整个出版过程中一直为我提供指导。
资源
在这次的新版本中,大量的新资源可供学生和老师使用。
对于学生
设立进阶学习网站。网站旨在探索艺术和设计的组成基础和组成要素,并通过互动模块加深人们对本书所呈现概念的理解。网站还提供艺术的视频演示、图像展示、章节测验、研究任务和设计项目等等。在本书中出现的图标则对应着网站的相应模块。
进阶学习网站的互动电子书将刚刚我提到的所有资源都汇总其中,书中附有相应链接,指向相应的互动模块。
对于老师
在线数字图像图书馆和PPT幻灯片将数字图像带进教室。高分辨率图像(包括图形和书中几乎所有的纯艺术图像)都能够在我们的网站中找到,它是一键式并且受密码保护的。缩放功能可以让您随心所欲选择图像想要放大的部分,并在课堂中进行细节展示。网站还可以下载关于本书每一章节的PPT,它易于定制课程的组合、编辑、展示。数字图像图书馆在USB拇指驱动器上也可以使用。
设计定义
当听见“设计”一词时,你会想到什么?你会把设计与流行、建筑或汽车的样式联系起来吗?设计比我们刚刚提到的商业运用有更为广阔的涵义。词典将“计划”列为它的同义词:做设计就是做计划、做组织。设计存在于所有艺术领域,绘画、雕塑、摄影以及所有的现代媒体—电影、视频、计算机图像和动画;存在于所有工艺领域,如陶瓷、纺织品、玻璃制品;存在于所有视觉艺术领域,如建筑、园林、城市规划等等。事实上,不论是好是差,不论是二维或三维的,所有的人工制品都包含设计。
视觉组织
设计可以说是“偶然”的反义词。一般来讲,当我们说某事“由设计产生”时,其意思是某事经过了计划—它并不是偶然发生的。各行各业的人都会做计划,而艺术家或设计师也一样,他们对各个设计元素做安排、做布置,后形成视觉图形。由于所属范围不同, 设计元素也各不相同— 手绘符号、手写文字、舞台布景、家具门窗以及锅碗瓢盆等等, 但它们后所得到的结果都是一种视觉组织 (visual organization)。艺术家,与其他职业一样,目的都是为了解决问题、寻找问题的答案。艺术家寻找的是关于视觉问题的解决之道,也就是我们通常所说的设计过程。
图1-1所示的海报设计就是这方面的一个优秀范例。精心布局的字母是其创意传达的中心组成部分。另外两张海报以对照的方式,向我们揭示了很简单的文字(几个单词)是如何被创造为视觉信息的。图1-2《要工作,不要战争》(Make
Jobs, Not War)所传达的观点简洁而明确。“战争”用红色重点标示出来, 在这里,传递信息的主要是文字而非图像。图 1-3中,红色再次出现,在这里,红色不只是一种视觉声明,它起到的更多是一种批判的作用。艺术家用红色将“战争”(war)从“这有什么好处?”(What is it good for?)中挑 出,用一种粗鲁的笔触、粗糙的边缘和滴流的颜料,强调出暴力的本质。
创意解难
艺术之所以被称为“创造性”领域是因为解决这些问题没有预设的明确答案。个性化的诠释与应用使得艺术可以创造出无限的可能。艺术问题因其特性和复杂程度不同而各不相同。比如画家或雕塑家往往倾向于创造和探索由自己提出的“问题”或方法,根据自己的意愿界定问题;建筑师、平面设计师和工业设计师常常面临的则是某一既定的问题,一般来讲,这个问题往往具有特殊的要求和明确的规定。艺术班的学生也属于这种情况—他们要完成导师所布置的作业,这些作业有着明确且特殊的要求。然而,所有的艺术或视觉问题都需要创造性的解决方案,在这个方面它们是一致的。
我们经常听到人们说“艺术无规则”。确实如此,在解决视觉问题时,没有什么严格的规则可循。古往今来,视觉艺术的目标总是在不断变化,所以明确的规则也是不可能的。“无规则”似乎意味着所有的设计都同样有效且具备良好的视觉效果,但实际情况并非如此。艺术实践与标准的发展源于成功的作品,对此,艺术家与设计师应具备清醒的认识。因此,我们还是需要一些指导方针(而非规则)以创造出成功的设计。当然,这些指导方针的存在并不意味着艺术家会局限于某一种解决方案。
内容与形式
对艺术的讨论通常分为两个部分:内容与形式。内容意指艺术作品企图传达给观众的主题、故事或信息。形式则是纯视觉的东西, 是对各种不同的设计元素与原则的处理。内容是艺术家想要表达什么,形式则是如何进行表达。图1-3可以说是处理这两者关系的一个成功范例。
有些时候,艺术作品的目的是单纯为了审美(aesthetic)。拿装饰品(比如珠宝首饰)来说,它只是一个单纯为了创造视觉愉悦的“问题”。但即使以装饰为目的的艺术和设计作品,仍然具有揭示新观看方式、传播新观点立场的潜在意义。艺术,一直是一种视觉传播手段。
过程
步骤
我们都听过“一图胜似千字文”这句老话。我们无法判断每个人从图画中都学到了多少东西。艺术的重要作用之一是传递信息。实际上,在文字发明以前,书面信息都是由简单的图形符号组成的。今天,图画仍旧担当着一种国际化语言的角色。当文字难以被外国人或目不识丁者所看懂时,图画却可以被理解。我们确实不需要理解文字就可以马上获取图1-4中的信息—疼痛、苦难与折磨。
艺术作为传播手段
艺术家与设计师,将艺术作为一种传播方式向观众述说某事。因此,成功的作品不仅要具有好的视觉效果,还要能够传递某种信息。任何一种艺术元素都可以运用于这种传播手段。纯抽象的线条、色彩及图形都可以用来表达观念或感受。很多时候,这些主题和信息都是通过象征符号和图像进行传达的。在对这些图像的选择与运用中,独创性和想象力对于能否成功完成作品至关重要。
无数图例证明:文字并不是交流的必要手段。我们来看两个例子。在图1-5《平衡的石头》(Balanced Rock)中,无需文字我们就可以理解图片是想传达一种平衡的观念。 图1-6不仅从文字上,也从视觉上表达了“平衡”这一信息。上升的大写字母E为首字母B 提供了视觉平衡,同时,下沉的字母A则起到了一个视觉支点的作用。在图1-4中,观念也完全是通过独立的视觉语言进行传递的。
我们不禁要思考,这些艺术家是如何得
出结论的呢?图1-5和图1-6都是很好的创意,但它们是如何产生的呢?我们可以肯定每一个设计过程都是不断试验不断犯错的过程,但它们之间肯定是有区别的,比如处理岩石和处理文字。后文中的例子将为我们阐释那些成功的作品背后所蕴藏的努力。
创意过程
好的设计作品归功于好的设计创意。设计专业的学生常常疑惑:“如何才能得到好的设计创意?”几乎每个人都会时不时地遇到这种窘境,甚至职业艺术家也可能瞪着一张空白画布很长时间而没有灵感,成功的作家也会面对一张空白稿纸而不知所措。艺术中所包含的观念可以通过多种形式表达出来,从明确的视觉效果到有效的信息传达,它包含内容与形式两个方面。
为什么一个苦苦思索的问题突然出现了答案?这是我们很难加以解释的。在我们淋浴、修理草坪或无数看似不相关的情况下,一个创意可能就迸发了。我们不必过于关注此时此刻为什么突然就有了意外的解决之道。它们会不断地产生。但是,当设计任务的后期限步步紧逼时我们该怎么办?我们是否应该有意识地做些什么来激发创造性?我们该怎样做才可能促使问题的答案就此产生?
纵使媒介与信息千变万化,但我们仍然能够找到一套超越所有这些差异的设计过程。我们把它界定为三种非常简单的行为,并以非常简单的名称为它们命名：
想，
看，
做，
它们不是连续的过程,也不具备独立性。它们是交替发生的,可以同时进行,也可以重复来回地进行。虽然我们经常会碰到这种情况:我们没有对所研究的问题投入任何精力,但是灵感就这么突然而至(比如,在我们洗澡的时候)。但路易·巴斯德(Lou- is
Pasteur,法国化学家及微生物学家)曾说:“机会总是青睐那些有准备的人。”画家 查克·克洛斯(Chuck
Close)也有差不多的认识:“灵感是为门外汉准备的。剩下的我们只能努力工作了。”
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