路米斯经典美术课——创意插画

“我所有的绘画技巧和我所画的超级英雄们，都要归功于路米斯。”　　——漫威、DC画师，美国漫画大神亚历克斯·罗斯（Alex Ross）

 

如何成为一名插画家？本书中，路米斯充分解答了这个问题。

　　安德鲁·路米斯，美国著名插画家、作家、美术教育家。他曾就读于美国艺术学生联盟。19岁时师从乔治·伯里曼学习绘画，随后发展并延伸了乔治.伯里曼的素描绘画体系，以独特的视角撰写了多本简单易懂的经典绘画教程，对当代素描教育产生了巨大影响。路米斯认为：好素描必须具有说服力和感染力。因此他从绘画原理方面训练读者，使之创造出“真实的”艺术作品。各绘画技法环节，他都主张作品应尽可能源于观察、实景写生和模特动态。正是由于其独特、着实有效的艺术理念，在他去世后很长一段时间，其绘画风格仍继续影响着一大批艺术家。

亲爱的读者们：

　　鉴于我早前作品得到的热烈反响，在本书的第一章我想先对很多老朋友表示感谢。正是我的上一本书《大师的人体素描》的成功，激励着我继续写下去。在插画领域仍然有太多有价值的知识要比实际人物绘画更值得书写一番。把人物画好是一件事，但把人物画在真实可信的环境中，让他们讲述一个故事，赋予他们个性化和戏剧化的趣味则是另外一回事。简而言之，人物形象不足以断定一幅画是好作品，它必须完成某些任务—推销商品，或赋予故事现实感和人物特征；它的性格必须使看到它的人印象非常深刻，使他们产生一种特定的情感反应。

　　在这本书中，我意在讲述一些经我本人经验证实的插画基础知识。据我所知，至今没有人去整理过并详细阐释过这些基础知识。我想以我本人在插画领域的资历来看，我是有资格做这件事的，于是我尝试着给这些非常必要的知识做一个总结。我会努力梳理清楚适用于所有绘画作品的基础知识，而不仅仅是画人物或其他类型的特定技巧。读者应该已经具备不错的绘画能力并且有一些绘画训练背景，因此这本书不是面向初学者以及将绘画当作一门兴趣爱好的人，而是面向那些有实实在在希望从事艺术职业且有决心将其全部精力贡献给艺术的人。取得艺术上的成功绝非易事，不是懒洋洋地随随便便就能做到的。没有任何“天赋”或天资能取代基础知识、大量的认真练习和辛勤创作。我不会因某人会画图和绘画就欣赏他，我欣赏的不仅是会画图和绘画的人，这个人还要有很多知识来画得更好。

　　如果你希望将你具备的能力投入实际创作，想知道怎样入插画行业，想知道如何为杂志故事和商业广告、广告牌、橱窗、挂历及封面作画，想要抓住任何一个可能成功的机会，那么你就不能有任何幻想。在最开始我就要指出，尽管这个世界上不存在能确保取得成功的公式，但是却有一套对成功很有帮助的步骤方法。真要是存在固定的公式，除非个体特征、技术鉴赏和情感能力不在艺术作品中占重要地位了。因此，艺术不可能被简化成没有个性的精确程式。没有个性的话，创意艺术就没有存在的理由了。事实上，个性表现是创意艺术最大价值之所在，个性使创意艺术永远凌驾于通过工具手段创作出的画作之上。我不想批评照相技术，即便如此我还是认为，即使有最完美的成像技术，照片的真正价值还是在于摄影师的个人观察，而不是成像技术本身有多高超。如果艺术仅仅是追求细节的精致完美，那么照相机完全可以将艺术家们取而代之。然而实际上，除非照相机有情感和独立观察能力，还要有区别开关键点和无关紧要部分的能力，否则艺术家会永远处于优势地位。不论事物是好是坏，照相机都只能全盘接受，拍或不拍—照相机必须无情感地重现摆在它面前的任何东西的本身面貌。

　　我希望每一个读者都牢记这句话：插画是你所看到的以及你所理解的生活。那是你身为一位艺术家留下的遗产，是你的作品最为人所追捧的本质特色。你不能失去它，也不能让它屈从于他人。你和你的作品要表现的是，生活就是线条、色调、色彩和构思加上你对生活的感受。以上这些，是我们用来创作的工具，也是我要帮你们学会去使用的工具。今后，你要学会视情况从中选用合适的工具进行创作，我希望你能从这本书中学到更多如何使用这些工具的知识。

　　在我整个早期职业生涯中，我一直迫切地需要得到这样的帮助。这种需求现在仍然很明显，我会以解决这些问题为己任。我的写作能力无关紧要，重点是我们立场是一致的。我们都知道，这本书中谈论的东西对我们双方取得成功都有着非常重要的意义—我个人当然也希望尽可能地在这个领域中活跃下去。我们的技艺要比我们本身更重要，因此，我希望你们能像我一样渴望取得成功。把插画当作一种表达的话，它就变成了一种思想换位，是把思想转换成一种现实幻想。如果我说某个人的脸坚硬得像是一块石头，接着一个图像就会浮现在你的想象中。然而，这幅图像并不清晰鲜明，坚硬的肌理是你感受到的一种潜意识解读，它必须同现实情景结合在一起。合成的结果不会是一张照片，也不是一个活生生的模型，而是你个人对一张人脸的概念换位。你使用线条、色调和色彩等工具创作出这种特征，缺了感受的话，你连一个头部都画不出来。

　　复制出来的绘画没有什么意义，因为用照相机，你能得到更好的结果。作为一种表达工具，绘画是对照相艺术的调整。艺术指导家告诉我，他们之所以使用照相机，是因为那些可为他们所用的艺术家们的水平实在太平庸。好作品永远供不应求，因此商业艺术不得已地只能将照相技术当作最好的赌注。要在一张照片与一幅技术娴熟的画之间做选择的话，艺术指导家很少会去选择前者。而难点在于，如何创作出一幅足够好的画作。若是我们既想要合理使用照相技术，同时又想画出更多好作品，并且还想让技艺更上一层楼，那么，我们不能仅靠照相技术模仿，也不能仅靠解决技术问题的能力，而是要克服想象力的局限性，还要克服脱离照相技术之后，要面对更大的技术由以及更大的个性空间的难题。想要和照相机的长处一较高下，我们是没有胜算的，因为在对细节的精准把握上，我们不是它的对手。从明度和色调（我们之后会经常接触到）方面来讲，我们没有什么优势，但是从实际绘图价值来看，机会的大门对我们是敞开着的。可以肯定的是，绘画的最大价值正是一切照相机做不到的东西。我们要注意力放在图案和画面的错落有致感、绘画技术表现的自由、人物塑造、戏剧性、布局的创意性、边缘的“得与失”、画面主次及重点强调等等问题之上。要将情感特质加入拍摄出的照片插画中，这正是照片极为缺乏的东西。要让产品与照片的差别如同个人的字迹与打印字迹的差别一样。如果我们做到画面的明暗和色彩既清晰又真实，那么就没必要和照相机攀比，也没有什么能阻碍我们的创作，而且公众会实实在在地更加喜爱艺术而不是照相技术。画图、明暗及色彩只不过是司空见惯的手段，是个起跳点，它们总在预料之中且理所当然。我们能超越它们多远，决定了我们在插画领域能走多远。

　　绘画本身并不是一件太难的事情。从大方面看，绘画就是把事物的轮廓按照正确比例和空间分布画下来。空间分布是可以测量出来的，而且有很多简单的测量画法和测量工具。轮廓上的任何一条皱纹都能被正确地分布在画面上。你可以把一张照片分割成方格状，用眼睛测量或把它投影出来，然后再画出图来。但是，实物作画是对有意义的轮廓进行阐释、选择和陈述。有时候，绘画并不是物体的实际的轮廓，而是对物体的轮廓进行优雅的、个性化的和充满魅力的解读。如果一个画家不考虑线器、投影仪或其他器械设备高明多少。一个画家如此依赖这些器械，还怎么期待他有创意？用工具代替绘画作为表现手段就等于承认他对自己的绘画能力没有信心。他必须明白，自己的阐释，即便并不是完全准确，仍然是他获得原创性并胜过一千个只会使用器械设备作画的人的唯一机会。甚至，哪怕是一幅很糟糕的画，只要展示出了创造性和一些原创性，也能比一百张描摹或投影作品更好。

　　要是我打算给你们提供一些关于色彩明暗的信息的话，这些信息必须来自实际操作过程及实际领域的接触过程。然而实际上我本人的水平也是有限的。不过，由于我在自己的作品中使用的很多基础知识和他人使用的在大体上是一样的，所以我们在意见上不会有太大分歧。因此，我拿自己的作品作为例子。不是拿它们来让你们模仿，而是来阐明一些基本要素，这些要素是我认为所有成功的插画都必须具备的。通过向你们展示表达方式而不是表达本身，你们可以自由地表达自我。

　　我的讲授手段会尽可能地与模仿原理剥离开来，因此，这个手段必须与平常的教科书有相当大的不同。我不会拿一些老牌大师做例子，坦白地说，他们使用的画法和步骤实际上是无人知晓的。无论在何处，你都能看到伟大的作品，你的文件夹里大概全是这些作品。除非我能告诉你某个老牌大师是如何完成他的杰作的，不然我说什么都毫无意义。我无法给你们一个与这位大师作品相关的分析，因为，你的分析也许比我的分析还要好。画法和步骤是唯一靠得住的教学基础，没了它们是没机会获得创造能力的。我甚至不敢引入当代某位插画家的作品，因为画家本人要比我更有资格教授。我也不会用自己过去的作品，因为，较之我的作品，我对你们用相同工具创作出的作品更加感兴趣。务实地说，我要讲的只有一课，那就是和你们分享我的经验中有价值的东西。这样一来，你就有机会选择对你有用的东西，抛弃你不以为然的东西。

　　按照逻辑顺序，插画艺术必须从线条入手。与线条有关的东西实际上要比外行人想象的要多得多，因此我们必须先对线条有一个更加宽泛的理解。无论有意识还是无意识，线条都会贯穿我们绘图的每一个阶段，并且扮演着最重要的角色。线条是设计的第一道工具，是对轮廓的勾勒，并且，要是忽略了它的实际功能，它将会是我们成功路上的巨大障碍。因此，这本书要先从线条开始讲起。色调跟在线条之后讲述。色调是对形体的实体进行明暗表现的基础。色调也是空间形体的三维效果的基础。对色调没有一个清晰认识的话，是无法真实表现生活的。线条和色调互相依存，我们必须理解它们的这种依存关系。

　　线条和色调之后讲述色彩。真实色彩几乎整体依赖于好的色调或色彩明暗关系，因此这个关系变得更加密不可分。当然了，我们可以仅靠线条来画一幅插画，它完全可以独立作为一幅图画，但是，一旦我们不满足于单单使用线条勾勒轮廓，想要更进一步的话，我们就要处理明暗关系，或者色调。于是乎，我们立即就跃入了自然界的错综复杂的法则中，这是因为，只有通过光与影，或者色调，我们才能看到形体。从色调到色彩，这并非迈了一大步，因为这二者是紧密相连的。

　　就算我们能理解线条、色调和色彩的基础知识，我们仍然有很多任务要完成。我们必须将这三者结合成一个绘图目的，要对它们进行编排并且把它们表现出来，这甚至比物体本身还要重要。为了创作出好画，我们还必须对一些区域和大块色调或样式进行组合。这些都是我们想要达到的目的。

　　技术表现之后的问题是戏剧性阐释。在最终分析中，插画家手握着镜子映照生活，同时表达出自身对生活的感受。一个插着鲜花的罐子可以被画得很美，但是这画绝对称不上是一幅插画。插画必须包含我们的情感、生活、做的事情和感受。因此，我必须在书中用一部分的内容讲述“让插画讲故事”。

　　如果我们想要画插画，就必须有创意。插画需要深入研究心理学来了解基本吸引力，从而想出创意，这创意必须能深入到读者的个性，形成引人入胜的特定反应。我们必须懂得如何将创意变成广告的基础，然后作品就能在对应领域中找到市场，并满足市场的特殊需要。因此，本书中的一部分会与创意主题相关。

　　最后，我们必须区分不同插画领域使用的不同手段，每一种手段都要服务于特定目的。每一个插画领域都有一个成功画家须知的基本手法。画一幅户外招贴画是一回事，，画一幅杂志广告是另外一回事。我希望能将所有重点梳理清楚。实验和练习，对你最终的成功来说，它们的作用有可能微乎其微，也可能不可限量。除了这两者，没有东西能让你的作品保有新鲜度，并让你不断进步。它们能让你跳出日常的陈规，从同行中脱颖而出。它们是成功的最大秘密。已尽全力找出可行的真理，并将它们结合在一起称为“形体原则”，其中包括了贯通全书的基础。这些真理在我讲述它们之前就一直存在着，今后也会永远存在下去。我单单只是将它们集中在一起。它们存在于所有好的艺术之中，并且也应该存在于你的作品的每一部分中。它们源自自然法则。我认为，对绘画类书籍来说，自然法则是唯一可靠的基础。那么，让我们开始创作插画吧！